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Pongamos que hablamos en términos de lencería. “Born To Die” podría haber sido un conjunto de Agent Provocateur, pero se queda en Victoria’s Secret. Es sugerente, sí. Tiene morbo, también. Dispara la libido, por supuesto. Pero no es Agent Provocateur. Pongamos que hablamos en términos de trip-hop. “Born To Die” podría haber evocado a Portishead, pero se ha quedado en Morcheeba. Es emocionante, sí. Es dramático, sí. Es melancólico, también. Pero no es Beth Gibbons ni Adrien Utley ni está Geoff Barrow soltando bases. Pongamos que hablamos en términos cinematográficos. “Born To Die” podría haber sonado en “Mulholland Drive”, pero se queda en “Drive”. Es oscuro, bastante. Es retorcido, por supuesto. Es sexy, mucho. Pero no es David Lynch. Y lo mismo ocurre con la auto definición que se ha procurado Lana del Rey: “la Nancy Sinatra gangsta”. Aquí hay poco de Nancy y mucho menos de gangsta.

Por cada momento brillante de “Born To Die”, hay dos sonrojantes. Escuchar del tirón “Blue Jeans”, “Video Games” y “Born To Die” –que dentro del disco suena arrolladora y arrebatadora, mucho más que como single de adelanto– te pone en el cielo. Lana tiene un rollazo alucinante: la entonación, la cadencia, el cómo se cree de verdad esa Nancy ‘Gangsta’ Sinatra, la forma en la que dice cosas como ese verso ultra sexy de “you fit me better than my favourite sweater”, como se lleva el dedo índice a la boca mientras canta, con esa manicura de pija que se cree chunga del gueto. Entre medias suena “Off To The Races” y después “Diet Mountain Dew” y escuchas cómo hace promesas de amor absolutas –y versos tan cool como “Diet Mountain Dew baby New York City / Never was there ever a girl so pretty / Do you think we’ll be in love forever?”– y te la imaginas como a Laura Dern en “Corazón Salvaje”, fumando en un descapotable mientras come chicle haciendo pompas ruidosas, subiendo la música de pronto y obligando a Nicolas Cage a parar el coche en la cuneta y bailar dando saltos como si el mundo se fuera a parar. Y te la crees y te deshaces con cada “babe” y cada mención de amor al límite.

Pero luego llega “National Anthem” –¿la canción que más sonará el próximo 4 de julio en Estados Unidos?– y “Dark Paradise” y todo se vuelve demasiado obvio. Como un escote que se baja centímetros de más sin necesidad o como una falda que trepa demasiado arriba del muslo. Justo ese momento en que se pierde todo el rollo y se vuelve tan evidente que sonroja. Cambia la elegancia melodramática y el blanco satén por giros al pop para adolescentes que no encajan con su idea inicial, como si quisiera ser Beth Gibbons a la vez que Katy Perry. Se suceden los clichés en los versos –la chica que declara amor eterno al chico malo, la que con sus amigas la lía en las calles porque son chicas malas, la que está obsesionada con coches caros y con la que lleven a sitios sexys– y se repiten momentos que sacan de quicio, como cuando deletrea ad nauseam “dark” en “Lolita” o jadea (muchísimo) de más en “National Anthem”. Después de la reiteración de “Million Dollar Man” –más intriga, más misterio, más peligro, más clichés– llega “Summertime Sadness” que, aunque tiene un leit motiv que puede provocar un rechazo brutal (empatizar con esa tristeza veraniega que sacude el cuerpo de la chica gangsta puede ser complicado), es una de las canciones más duraderas del álbum. “Without You” y “Lucky Ones” –ambas extras en la edición especial del álbum– vuelven a resultar obvias, monótonas y sonrojantes. Las dos juegan a ser Mazzy Star, pero aquí no está Hope Sandoval.

Pongamos que hablamos de discos que prometían mucho –tanto como las promesas de amor absoluto de Lana– y que se quedan temblorosos, sustentados por unos pocos momentos brillantes. “Born To Die” es uno de ellos.

Fuente: Playground.

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No habría dado un duro por Chairlift después de que consiguieran colocar ‘Bruises‘ en un anuncio de Apple y no pasara absolutamente nada por ellos. A diferencia de lo sucedido con Feist, no aparecieron en todos los medios, y a diferencia de lo sucedido con Ting Tings, no tocaron en todos los festivales. Por si fuera poco, uno de los tres miembros históricos, Aaron Pfenning, abandonó el grupo tras dejarlo con su novia, la líder Caroline Polachek. Y ya casi en el presente, el nuevo single ‘Amanaemonesia‘ no podía pasar más desapercibido hace unos meses, ¿cómo iba a salir el grupo de aquí?

Chairlift se han tomado su tiempo para dar continuidad a ‘Does You Inspire You‘, lo cual parece fundamental para la afinación de lo que podríamos considerar su sonido. De un primer disco que algún día les pudo hacer parecer “los nuevos MGMT” podía haber salido un sucesor precipitado pensado para pillar un poco de cacho del tirón del álbum anterior, pero lo que nos encontramos en ‘Something’ es la perfección de una fórmula que ya bebía de los 80. Así, canciones como la esquelética ‘Sidewalk Safari’, esa caza sensual de letra tan divertida (“soy mala con el arco y las flechas, y no muy buena con las pistolas”), suenan tan sofisticadas como una Bat for Lashes o unos Austra.

Cuando descubrimos al grupo fue a través del vídeo de ‘Planet Health‘, una orgía de fruta y otras cosas que los mostraba como un grupo decididamente “cool”, pero lo importante es que con ‘Something’, y aunque algunos se queden en lo bobalicón de rimar “amaneamonesia” con “amnesia” (¿con qué, si no?), el grupo es ya algo más que un nombre de moda. Ahí quedan dos himnos tan claros como el reconfortante ‘I Belong In Your Arms’ o el un poco Motown ‘Met Before’.

No siempre los resultados son tan redondos y, a pesar de su ambientación acuosa, de nuevo muy Angelo Badalamenti, ‘Turning’ es demasiado lánguida, mientras ‘Guilty As Charged’ cuenta con poco más atractivo que el de esa provocación “I’m guilty as charged / Go on and punish me”. Sin embargo, antes de estas dos últimas canciones, Alan Moulder y Dan Carey han sabido hacer un buen trabajo de producción a partir de muy buenas melodías, como indica la presencia del primero, en ocasiones próximo a Depeche Mode (atención a los toques industriales de ‘Wrong Opinion’). A veces cerca del chill (‘Take It Out On Me’), a veces con un ritmo jazz (‘Ghost Tonight’) o incluso próximo a Sade (‘Cool As A Fire’), Chairlift han ido construyendo el que ha terminado siendo el primer gran disco de pop de 2012.

Fuente: Jenesaispop.

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Una balsa de porcelana: la traducción del nombre artístico que ha escogido el italiano Mauro Remiddi sugiere la imagen de una cosa delicada, frágil, bajando mansamente por aguas cristalinas, y su pop es así: claro, resplandeciente, las canciones se desarrollan de una manera lógica formando buenos estribillos entre arreglos que persiguen el impacto de una belleza irresistible a toda costa. Su mundo es muy conocido, por tanto: armonías elevadoras, guitarras suaves y beats electrónicos que se esconden sigilosamente en el fondo de cada tema, amagando entre el intimismo y la épica: es por esto por lo que Porcelain Raft se compara tanto como un recién llegado al territorio del indie-pop jugando a ser M83, se le cuelgan etiquetas como dream-pop y se le asocia con la última hornada chillwave, especialmente la de Active Child y Washed Out, con quienes guarda parecidos más que razonables. De todo eso algo hay, por supuesto: Remiddi canta con la voz apagada, protegiéndola con una grabación purísima, los sonidos a su alrededor se alargan buscando un éxtasis efímero, y hay momentos en que lo consigue de manera rotunda –“Put Me To Sleep”, el single que ya conocíamos–.

A Porcelain Raft, empero, todavía le falta recorrido para dejar una huella profunda en los corazones de la juventud sensible. “Strange Weekend” es todavía un LP que batalla entre la ambición de crear algo eterno y los rastros de muchas influencias que todavía no han encontrado su acomodo perfecto, e incluso influencias que no acaban de encajar del todo bien en su propuesta –esa voz tan Brett Anderson en “Shapeless & Gone”, por ejemplo, no es tan interesante como el envoltorio sonoro tan The Flaming Lips que la rodea; ocurre lo mismo en “Backwords”–.

No es que tenga nada contra los primeros Suede, ni mucho menos, pero el tono que busca Porcelain Raft es mágico, de otro mundo, no simplemente glamouroso o afectado (a todo esto, mirándole a la cara, ¿no se parece al George Michael de la época “Faith”? Ok, también a Fernandisco, pero por Fernandisco y glamour no nos sale nada), y llegar a ese escenario ideal suyo de irrealidad y preciosismo lleva tiempo. Se nota que ha estado trabajando en esa dirección con empeño –ahí están los dos minutos escasos de “If You Have A Wish”, con guitarras convertidas en soles y unos beats mansos–, pero hay otras veces en que las canciones están todavía en una fase preparatoria, sin demasiado desarrollo en la producción y, lo que es más notable, parecidas entre sí –“Picture”, si se escucha bien, es como un primer borrador de “Shapeless & Gone”–.

De todos modos, cuidado: Porcelain Raft es ahora mismo un diamante en bruto que debuta con buen pie y le ha faltado ese punto de cocción ideal que diferencia a los debutantes del año de los debutantes, sencillamente, prometedores. Hay diez canciones en “Strange Weekend” y sólo cuatro las que se asoman, por ahora, para mirar lo que hay más allá de los muros de lo sublime: “The Way In”, “Drifting In And Out” y esa línea de bajo prestada por New Order, “Put Me To Sleep” e “Is It Too Deep For You?”, esa especie de downtempo instrumental, donde sí se ven las siluetas de lo que podrían ser grandes canciones de Beach House o Washed Out. La conclusión es sencilla: “Strange Weekend” es un disco para disfrutar lastrado por su propia irregularidad, con momentos de altura y minutos sin mayor chispa, pero en los que ya se está empezando a cocer una evolución a mejor, con emociones depuradas, acierto y vestiduras de producción más deslumbrantes. La balsa de porcelana está bien hecha, sólo le faltan unas asas rococó y un buen decorador que le dé una mano de pintura. Es decir: le falta un productor como dios manda. Ojo al segundo álbum.

Fuente: Playground.

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Afirma Dylan Baldi que grabar con Albini no marca el sonido de tu álbum tanto como dicen. Con una pizca de chulería, como queriendo atribuirse todas las bondades de su nuevo trabajo únicamente a sí mismo, explica que “las bandas llegan a su estudio con sus propias canciones y graban su propio disco. Lo que ocurre es que estos están hechos en la misma habitación y acaban teniendo un espíritu similar”. Sea como sea, “Attack On Memory” tiene ese espíritu, el del Albini más puro. En su primera grabación en los Electrical Audio, el productor de Chicago ha afilado a Cloud Nothings hasta hacerles sonar abrasivos y pesados sin que Baldi tampoco haya permitido que se descuide la locuaz efervescencia con que acostumbran sus temas a brincar. Digamos que de los colorines se ha pasado a la gama de grises, desembocando en una transformación bastante radical en el seno del grupo de Cleveland. Un disco importantemente diferente a lo que habían entregado hasta ahora y que lo dice todo desde su título: “un ataque en la memoria de lo que la gente se pensaba que la banda era”.

Sorpresa. “Attack On Memory” es un trabajo de renacimiento y eso es lo llamativo: que salga a colación una palabra como ‘renacimiento’ para un chaval que tiene veinte años y que, para colmo, se atreve a escribir sobre el paso del tiempo y exponer teorías sobre enseñanzas del pasado. Levemente envarado como decíamos –en cierto sentido, para cantar esto es necesario ponerse así–, cargado de una furia fría que le hace desgañitarse a la mínima que pueda, Baldi barre con todo como un huracán. Su indie-pop elástico ha subido de nivel para colocarse en otro peldaño más peligroso, el de un punk-rock visceral influido por sus escuchas compulsivas de Wipers, Thin Lizzy o Black Sabbath. De esta manera logra abrirse las tripas del todo y dar con su repertorio más consistente y fuerte, un repertorio que no suena difícil sino naturalmente salvaje, y con un arrojo presto a prender fuego en sus próximos directos.

El recorrido empieza amargo con “No Future/No Past” para continuar con una apoteósica “Wasted Days”, toda la carne en el asador a lo largo de nueve minutos de rock hirviente (“I thought I would be more than this”). “Fall In”, “Stay Useless” –su canción más redonda hasta la fecha– e incluso “Our Plans” rebajan la carga de desidia con sus melodías refrescantes aunque nunca dejen de mostrar la voluntad de Baldi por sonar agresivo, sobre todo a la hora de poner en peligro sus cuerdas vocales. “Separation”, “No Sentiment”, “Our Plans” y la más luminosa “Cut You” conforman una llamarada de avant-punk, post-hardcore y noise que dejan todo arrasado con sus insolentes juegos de guitarras y sus obstinadas baterías. Porque esa es otra: hay que destacar que el chaval ya no está sólo, sino rodeado de un grupo de músicos a los que comanda siempre desde el centro, repartiéndoles espacio suficiente para que se luzcan. Con ellos camina de la mano como si fueran compañeros de derrotas de toda la vida.

A pesar de toda la mala baba que encierra, nada ensucia la profundidad y la fuerza expresiva conquistadas, las cuales recuerdan por momentos a gigantes inesperados en el ideario de Cloud Nothings, tipo Nirvana o Slint. Comedido en apariencia –ocho canciones, 33 minutos de duración– aunque torrencial en contenido, “Attack On Memory” es sangrante y sugestivo, vomita rabia y salpica, llama a la acción. Es un ejercicio gozosamente demoledor. Un revulsivo que debería agitar las cabezas de todos esos jóvenes que se tiran de los pelos sin saber qué va a ser de sus vidas.

Fuente: Playground.

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Resulta un placer seguir contando, quince años después de su debut, con la sincera integridad de una banda como Nada Surf, honestamente fiel a sus principios tras resistir los envites de toda aquella implacable tendencia que ha pasado por su lado.
La trayectoria del grupo no ha estado sin embargo exenta de evolución, con el desarrollo artístico concretado en una incansable ambición orientada hacia la búsqueda de esa melodía perfecta a la que recubrir siempre de consistencia instrumental de especial belleza.

Precisamente la aparente sencillez del objetivo contrasta con la complejidad y el consiguiente mérito en la consecución del mismo, tras la licencia en forma de agradable curiosidad que supuso el disco de versiones If I Had A Hi-Fi (2010). Los neoyorquinos presentan ahora un séptimo álbum de estudio donde la gloriosa herencia de grandes del power-pop contemporáneo como Teenage Fanclub, Fountains Of Wayne y sobre todo The Posies, resulta asumida en plenitud y con enorme respeto.

Las composiciones fluyen naturales, con una solidez simétrica que evita chirriantes bajones y presume de producción inteligente a cargo de Crhis Shaw, remarcando en su justa medida unas virtudes que por sí mismas justifican valía. Un álbum que invita a hacer propia la melancolía latente en “When I Was Young”, perderse entre las guitarras de “The Moon Is Calling” o “Teenage Dreams”, gritar el estribillo de “Looking Through”, y por supuesto recrearse con himnos como “No Snow On The Mountain” y “Waiting For Something” hasta completar diez paradas trabajadas y sumamente adictivas, tan intensas como elegantes.

The Stars Are Indifferent To Astronomy (2012) es un decálogo retratado a la antigua usanza, con unos resultados tan impecables que debe resultar catalogada inmediatamente como una de las entregas más destacadas del trío, quizá incluso la mejor de toda la colección.

Fuente: Muzikalia.

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Entre 1998 y 2003, Sarah Nixey formó parte junto a Luke Haynes (The Auteurs) y John Moore (The Jesus & Mary Chain) del interesante combo llamado The Black Box Recorder.

Les habíamos perdido la pista desde entonces, pero la pasada primavera de 2010 decidieron decir adiós con dos nuevas composiciones (“Keep It in the Family” y “Do You Believe in God?”) a modo de testamento.

Su legado son tres álbumes más que recomendables plagados de delicadas y sofisticadas melodías, donde podremos encontrar un buen puñado de delicatessens escogidas, que conformar algunos de los momentos más sugerentes de la pasada década.

En 2011 su vocalista publicaba su segundo disco en solitario, tras Sing, Memory (2007). Brave Tin Soldiers es un compendio de bellos arreglos orquestales, guitarras acústicas y melodías placenteras. Una colección de canciones donde la británica vuelve a dar rienda suelta a sus pasajes oscuros y melancólicos conformados en torno a su privilegiada voz.

Temas como las solemnes “Silk Threads” y “Miss Sauvignon”, momentos reflexivos “The Burial of Love” o piezas como “Cat´s Cradle” donde recuerda a una Siouxsie fronteriza o “Brave Tin Soldiers” y “Gathering Shadows” propias de los Goldfrapp de Seventh Tree (2008) son buena muestra de ello.

Fuente: Muzikalia.

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‘You Wish You Were Red’ hacía pensar, desde la primera escucha, en The xx, por una forma semejante de usar bajo y cajas de ritmo a la del exitoso trío londinense. Aunque quizá, más que oportunismo, se trate de que, simplemente estos Trailer Trash Tracys tengan como disco de cabecera el mítico ‘Colossal Youth’ de Young Marble Giants. Pero las comparaciones entre ambas bandas británicas pueden ir poco más allá, aparte de que conviven en la misma ciudad.

Por otra parte, la principal virtud de este cuarteto no es esencialmente original. En este primer álbum largo publicado por un subsello de Domino Records, queda patente que sus influencias básicas son las melodías del bubblegum pop de los 50, enfocadas con teclados que las envuelven en misterio, a caballo entre el dream pop de Beach House y los trabajos de Badalamenti para David Lynch. Las menciones al shoegaze a las que invitaban sus primeras maquetas quedan así diluidas, aunque aún pensemos en los My Bloody Valentine menos radicales cuando suenan ‘Strangling Good Guys’ y la acertadamente regrabada ‘Candy Girl’.

Pero la originalidad, ya se sabe, es una cuestión que queda en segundo plano cuando una banda consigue sonar excitante, sugerente y magnética como Trailer Trash Tracys. ‘Ester’ es un álbum coherente y sin apenas fisuras (quizá ‘Black Circle’ y ‘Turkish Heights’ reduzcan levemente el nivel, hacia el final), que comienza totalmente apabullante enlazando tras su intro los cortes más inmediatos y ya conocidos: a ‘You Wish You Were Red’ le siguen los ensoñadores teclados de fanfarria de ‘Dies In 55′ y esos arpeggios extraterrestres de ‘Engelhardt’s Arizona’. Pero continúan con ‘Los Angered’, ‘Starlatine’ y las mencionadas referencias al grupo de Kevin Shields, sosteniendo con firmeza una propuesta que se debate con maravillosos resultados entre la frialdad de sus teclados y bases rítmicas gélidas, de influjo ochentero, y la emoción casi infantil de la voz de Suzanne Aztoria.

Y merece una mención aparte ese sonido de guitarras derivado del uso de la escala sorfeggio, una técnica antiquísima (utilizada en los cantos gregorianos) que utiliza solo siete notas en una frecuencia muy determinada y que determina ese componente marciano tan personal.

Entre Cocteau Twins y Wild Beasts, sin aspavientos ni poses artificiales, Trailer Trash Tracys consiguen con ‘Ester’ marcar un hito referencial en el dream pop para el año 2012, un refugio ideal para soportar la crudeza del invierno y soñar.

Fuente: Jenesaispop.

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Con el debut de los Vaccines de vuelta esta semana en el top 10 de las listas británicas, no es muy complicado comprender por qué el primer disco de Howler es uno de los más hypeados esta temporada por el NME. Las críticas del grupo del semanario están escritas a la defensiva -ellos mismos saben que es una caspa reivindicar ad eternum copias de los Ramones y de los Strokes-, pero hay que reconocer que el medio tiene olfato para los grupos “sing along” con potencial para llenar los escenarios grandes de los festivales de “hey! ho! let’s gos!”.

La banda es, en realidad, de Estados Unidos, donde la prensa especializada en los últimos años está volcada en cosas más finas, pero su origen es algo que queda claro en las ya mencionadas influencias, en el libreto del CD o en las melodías surferas de canciones como ‘Back To The Grave’ y el nuevo single ‘Back Of Your Neck’, la mejor novedad que encontramos en un álbum que recupera los dos grandes himnos de la banda, ya conocidos de su EP del verano pasado, ‘Told You Once’ y ‘This One’s Different’. El primero habla de un odio a uno mismo irresistible para cualquier estudiante desarraigado y el segundo, que repite caprichoso “I want you right now”, tres cuartos de lo mismo.

Cuando el quinteto post-adolescente (rondan los 20 años) no está preocupado por conseguir el estribillo adecuado para su sexto single o titulando canciones con nombres como ‘Beach Sluts’, se rinde a un muro de sonido tomado de Phil Spector y similar al de The Jesus & Mary Chain (‘Too Much Blood’), o a una suciedad próxima a los grupos tipo Wavves. Aunque son los Strokes definitivamente la referencia más obvia en ‘America’ o en ‘Wailing (Making Out)’, con un Jordan Gatesmith cantando completamente desgañitado. Letras tontas como “tu cuerpo mola pero tu mente no está bien” encajarían en el repertorio del mucho menos hypeado Hunx & His Punx, pero no puede acusarse a Howler de no tener la frescura de los primeros Hives, Vines y compañía.

Fuente: Jenesaispop.

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Quiero ser Aoki. Steve Aoki. Quiero despertarme con los pies de una modelo de 22 años en la cara y una botella de Crystal en la mano. Quiero tener ese pelo negro y largo, una melena azabache enjuagada en la mejor espuma tonificante del mercado –placenta de beluga, me dicen–. Quiero tener la misma barbita, los mismos ojos de almendra. Quiero coger un avión privado a Ibiza cada vez que me apetece poner unos discos. Quiero el reservado de Privilege a mi disposición 24/7. Quiero cobrar el presupuesto anual bruto de Moldavia por sesión. Creo que he visto la cara de Dios y, joder, Dios tiene los ojos achinados.

Nada que descubrir del estadounidense. Remixer de pedigrí refinado, DJ convertido en estrella del rock, cachés millonarios, amo y señor del mainstream electrónico (con permiso de Skrillex, Afrojack y Deadmau5), respeto y bling bling a partes iguales, fundador del prolífico sello Dim Mak, futuro alcalde de Ibiza si le dejan presentarse a las elecciones: el tipo está en lo más alto y ha sabido colmar las expectativas de los que esperaban de él la mejor mierda comercial del momento en compañía de peces gordísimos del hit parade –ojo, Kid Cudi y Lil’ Jon entre los invitados a la fiesta–. En este sentido, “Wonderland” es una papela de mainstream sin cortar espolvoreada en la misma cara de los puristas. El tiempo de Steve Aoki es oro y no está el horno como para ir perdiéndolo en otra cosa que no sea la manufactura en cadena de hitazos.

Se agradece, pues, la caradura y falta de prejuicios con la que este ídolo de masas afronta la composición del tracklist. Sólo trallazos. Sólo himnos para la pista. Sólo Los Ángeles. Sin perder ni un segundo de vista el camino más rápido hacia la gallina de los huevos de oro, pero con un acabado en el estudio sólo al alcance de pocos orfebres de la electrónica para estadios de fútbol. Por eso, aquí hay dos interpretaciones posibles: electro, boogie, trance y house “synthético” en los momentos más pastilleros; dance-pop negro en todas sus acepciones y R&B pistero de nuevo cuño para los momentos de frotaciones y perreos guarros.

Steve Aoki tiene la capacidad de despertar en tus adentros un curioso sentimiento de culpa. Por mucho que odies el circuito musical que frecuenta, no puedes resistirte a sus pepinos más trabajados. Es muy fácil rajar de la bisutería electro-funk y el estribillo pop de “Earthquakey People”, pero diablos, te la ponen en una noche de fiesta y acabas bailando como un imbécil. Lo mismo puede decirse de la fusión de sonido Ed Banger y ripios autotuneados de ese rodillo llamado “Dangerous”. O del puñetazo festivalero de “Livin’ My Love”, con eurobeat y hip hop en la barbacoa, y LMFAO echando una mano. En este lado del reservado VIP poco importan las disquisiciones musicales que no vayan más allá de la fiesta, el champán, el buen MDMA y la caza mayor. De acuerdo, puede ponerse extremadamente hortera cuando recurre al trance emotivo con sintetizadores mareantes –“Heartbreaker”–, pero se le perdona, sobre todo cuando es capaz de facturar assbangers para negras culonas del gueto como esa pequeña maravilla llena de taladros, funk histérico, crunk rabioso y jarabe de palo que es “Ohh”, con el freakazo de Rob Roy. Confirmado, el mainstream ha sentido un temblor comparable a una mascletá en los morros de la escala de Richter: de Aoki a la eternidad.

Fuente: Playground.

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El 2 de febrero es la fecha oficial de la publicación de Paralytic Stalks pero ya podemos escuchar filtrado en la web el nuevo disco de la banda Of Montreal. Desde 1997 han estado dando guerra los georgianos con diez discos bajo sus espaldas y vuelven apostando por sus clásicas fórmulas a base de pop, folk y psicodelia que pueden agradar o incomodar por partes iguales.

El disco comienza muy animado, con un buen juego de melodías y coros, y sin ser tan directo como en sus anteriores trabajos, consiguen unas canciones destacables como son Gelid Ascent, Spiteful Intervention o Dour Percentage. Después encontramos Malefic Dowery, algo más relajada, seguida de la más frenética de los nueve cortes: Ye, Renew The Plaintiff.

El pop se extiende hasta aproximadamente la mitad del disco, cuando a mitad de Wintered Debts comienzan a experimentar en plan hardcore y a partir de este momento tenemos unos veinte minutos de estos juegos que la verdad, no son muy interesantes salgo pequeñas partes, y que transmiten la sensación de alargarse hasta la saciedad.

Fuente: La Esponja Musical.